pièceà grand spectacle translation in French - Spanish Reverso dictionary, see also 'pièce à grand spectacle',pièce de rechange',pièce de résistance',pièce', examples, definition, conjugation Histoire En 1925, Willy Wolf, polonais exilé à Nantes, ouvrier ajusteur mais aussi cascadeur et plongeur, trouve la mort en sautant du pont transbordeur. Avec une bascule, un plongeoir et une moto volante, les six acrobates de La Contrebande revisitent l’histoire vraie et interrogent l’absurdité du risque. Une pièce de cirque renversante ! En 1925, un dimanche de printemps, Willy Wolf saute du haut des 53 mètres du pont nantais, devant des milliers de personnes. Puisqu’on lui avait refusé une moto enflammée, l’entêté trompe-la-mort se pare d’une écharpe embrasée, qui l’asphyxie en plein vol. Sa fin légendaire fait de lui l’un des pionniers de la performance acrobatique. Dans la vie comme dans le cirque, qu’est-ce que l’exploit ? À quel moment la prise de risque bascule-t-elle dans l’absurdité? Les jeunes acrobates s’aventurent sur la corde raide qui sépare franchissement des limites et renoncement au danger. Bascule, voltige, théâtre et chant créent un épatant ballet de sensations fortes. En partenariat avec Théâtre ONYX scène conventionnée de Saint-Herblain. Le festival Les Avant Curieux est organisé par l’Avant Courrier et Curios accompagnateurs d’artistes, en co-réalisation avec Le Grand T théâtre de Loire-Atlantique et Théâtre ONYX scène conventionnée de Saint-Herblain. Avec le soutien du Département de Loire-Atlantique, Ville de Nantes, Région Pays de la Loire. En partenariat avec le CNAREP La Paperie, Nantes Aménagement, Musique et Danse en Loire Atlantique, la Nantaise de diffusion, Ici Nantes. Réservezvos places de spectacle et comedie musicale pour : GRAND SHOW SYMPHONIQUE - Domaine d'O Amphitheatre D'O. Le prix des places est à partir de : 17.00 €. Date : vendredi 1 juillet 2022 au samedi 2 juillet 2022. Vous disposez par ailleurs du service e-ticket pour imprimer vos billets à domicile dès la fin de commande pour GRAND SHOW Télécharger l'article Télécharger l'article Vous avez une idée pour une pièce, peut-être une superbe idée. Vous voudriez l’élargir pour en faire une comédie ou une histoire dramatique, mais de quelle façon procéder ? Bien que vous puissiez être tenté de commencer automatiquement à rédiger, votre scénario sera plus réussi si vous prenez le temps nécessaire pour planifier toute l’histoire avant de commencer à rédiger votre premier brouillon. Une fois que vous avez fait un brainstorming sur votre récit et élaboré son plan, la rédaction de votre scénario ne sera plus qu’un jeu d’enfant. 1 Choisissez le genre d’histoire que vous voulez raconter. Bien que chaque histoire soit différente, la plupart des pièces appartiennent à une catégorie donnée, ce qui permet à l’audience de comprendre comment interpréter les évènements et les relations qu’elle voit. Pensez aux personnages que vous voulez créer puis imaginez la manière dont vous voudriez que leurs histoires se développent. Posez-vous certaines questions [1] . Est-ce qu’elles doivent résoudre un mystère ? Vont-elles traverser une série de situations difficiles afin d’atteindre un épanouissement personnel ? Vont-elles passer à l’âge adulte par une transition de l’innocence enfantine aux expériences du monde ? Est-ce qu’elles projettent d’effectuer un voyage, comme le périple d’Ulysse dans l’Odyssée d’Homère [2] ? Vont-elles amener de l’ordre là où il n’y avait que le chaos ? Vont-elles surmonter une série d’obstacles pour atteindre un but ? 2Faites un brainstorming sur les différentes parties de l’arc narratif. L’arc narratif est la progression du début, du milieu et de la fin d’une pièce. Les termes techniques qui désignent ces parties sont la mise en œuvre, la succession et la résolution. Ils viennent toujours dans cet ordre. Peu importe la longueur de votre pièce ou du nombre d’actes dont elle est composée, une bonne pièce doit développer ces trois pièces du puzzle. Prenez note de la direction que vous comptez donner à chaque partie avant de vous mettre à écrire votre pièce. 3Décidez de ce que vous devez mettre dans la mise en œuvre. Cette dernière ouvre la pièce en fournissant les informations de base nécessaires pour suivre le déroulement de l’histoire où et quand l’histoire se déroule-t-elle ? Qui est l’acteur principal ? Si vous en avez, qui sont les acteurs secondaires, ainsi que l’antagoniste personne qui présente le personnage principal avec son propre conflit central ? Quel est le conflit central auquel ces personnages devront faire face ? Quelle est l’atmosphère de cette pièce comédie, théâtre romantique, tragédie ? 4Faites une transition entre la mise en scène et la succession. À cours de cette dernière, les évènements se déroulent d’une manière qui rend les circonstances difficiles pour les personnages. Le conflit central vient en question alors qu’on note une poussée d’adrénaline au niveau de l’audience. Ce conflit peut surgir avec un autre personnage antagoniste, une situation extérieure guerre, pauvreté, rupture amoureuse ou un conflit avec soi-même devoir surmonter ses propres insécurités. La succession se termine par le paroxysme moment où la tension a atteint son apogée, lorsque le conflit prend le dessus [3] . 5Décidez de la résolution du conflit. La résolution relâche la tension du paroxysme du conflit pour mettre fin à l’arc narratif. Vous pourriez avoir une fin heureuse dans laquelle le personnage principal obtient ce qu’il ou elle cherchait ou une fin tragique où l’audience tire une leçon de l’échec du personnage principal ou un dénouement dans lequel toutes les questions trouvent des réponses. 6 Comprenez la différence entre intrigue et histoire. Le récit de votre pièce est composé de l’intrigue et de l’histoire. Il s’agit de deux éléments distincts qui doivent être développés ensemble pour créer une pièce qui attire l’attention de l’audience. Forster définit l’histoire comme ce qui se passe dans la pièce, c’est-à-dire le déroulement chronologique des évènements. Quant à l’intrigue, elle peut être définie comme la logique qui lie les évènements qui se déroulent à travers l’intrigue et qui leur donnent une force émotionnelle [4] . Voici un exemple de cette différence. L’histoire la petite amie du protagoniste a rompu avec lui. Ensuite ce dernier perd son travail. L’intrigue la petite amie du protagoniste a rompu avec lui. Chagriné, il fait une dépression émotionnelle au travail, ce qui a conduit à son licenciement. Vous devez développer une histoire fascinante qui bouge l’action de votre pièce assez rapidement pour retenir l’attention de l’audience. Dans le même temps, vous devez montrer le lien superficiel des actions à travers le développement de votre pièce. C’est ainsi qu’on suscite l’intérêt chez l’audience sur les évènements qui ont lieu sur scène. 7 Développez votre histoire. Vous ne pourrez pas approfondir la résonance émotionnelle d’une pièce si vous ne mettez pas en place une bonne histoire. Faites un remue-méninge sur les éléments de base de l’histoire avant de les étoffer avec votre écrit tout en répondant aux questions suivantes [5] . Où se déroule votre histoire ? Qui est votre protagoniste personnage principal et qui sont les personnages secondaires importants ? Quel est le conflit central que devront affronter ces personnages ? Quel est l’élément déclencheur qui a commencé l’action principale de la pièce et conduit à ce conflit central [6] ? Qu’est-ce qui se passe avec vos personnages au moment où ils font face au conflit ? Comment le conflit est-il résolu à la fin de l’histoire ? À quel point cela impacte-t-il les personnages ? 8 Approfondissez l’histoire avec le développement de l’intrigue. Souvenez-vous que l’intrigue est le développement de la relation entre les éléments de l’histoire qui étaient énumérés dans l’étape précédente. En pensant à l’intrigue, vous devez essayer de trouver des réponses aux questions suivantes [7] . Quelles relations entretiennent les personnages entre eux ? Comment les personnages interagissent-ils avec le conflit central ? Qui sont les plus affectés et à quel point le sont-ils ? Comment pouvez-vous façonner l’histoire les évènements afin de mettre les personnages qu’il faut en contact avec le conflit central ? Quelle est la succession logique et désinvolte qui conduit chaque évènement au suivant, en construisant un flux continuel vers le paroxysme et la résolution de l’histoire ? 1 Commencez avec une pièce en un acte si vous êtes un débutant. Avant de rédiger la pièce, vous devriez avoir une idée de la façon dont vous désirez la structurer. La pièce en un acte se déroule sans interruption et représente un bon point de départ pour les débutants en dramaturgie. Comme exemple de pièce en un acte, nous avons The Bond de Robert Frost et Amy Lowell et Gettysburg de Percy Mackaye [8] [9] ou La Chance du mari [10] », G. A. de Caillavet et Robert de Flers 1906. Même si la pièce en un acte a la structure la plus simple, souvenez-vous que toute histoire a besoin d’un arc narratif avec une mise en scène, une succession et une résolution. Étant donné que les pièces en un acte ne subissent aucune interruption, elles requièrent moins de décor et de changements de costume. Rendez vos besoins techniques plutôt simples. 2 Ne limitez pas la durée de votre pièce en un acte. Sa structure n’a rien à avoir avec la durée du spectacle. Ces pièces peuvent varier grandement en durée, avec des productions aussi courtes que dix minutes et d’autres qui vont jusqu’à une heure. Les drames flash sont des pièces en un acte qui peuvent aller de quelques secondes à dix minutes. Elles sont géniales pour les spectacles de théâtre à l’école ou dans la communauté, ainsi que pour des compétitions spéciales de théâtre flash. Pour un exemple de drame flash, allez voir A time of Green d’Anna Stillaman. 3 Laissez la place pour des décors plus complexes avec une pièce en deux actes. La pièce en deux actes est la plus fréquente dans le théâtre contemporain. Bien qu’il n’existe pas de règle établie quant à la durée, en général, les actes durent à peu près une demi-heure, donnant à l’audience une pause entre eux. La pause donne à l’audience le temps d’aller aux toilettes, de se détendre, de penser à ce qui s’est passé et de discuter du conflit présenté dans le premier acte. Cependant, elle donne aussi le temps à l’équipe d’apporter de grosses modifications au décor, aux costumes et au maquillage. Généralement, les pauses durent environ 15 minutes et pendant ce temps planifiez donc les rôles de votre équipe compte tenu de ce temps [11] . Pour des exemples de pièces en deux actes, consultez Hölderlin de Peter Weiss ou Le Retour de Harold Pinter. 4 Ajustez l’intrigue pour avoir la structure d’une pièce en deux actes. La structure de la pièce en deux actes change plus que le nombre de fois que votre équipe doit faire des ajustements techniques. Étant donné que l’audience a pris une pause au milieu de la pièce, vous ne pouvez plus traiter l’histoire comme si elle se déroulait sous la forme d’un récit. Vous devez structurer votre histoire autour de la pause afin de laisser l’audience se détendre et de songer à la fin du premier acte. Du retour de la pause, elle doit être ramenée immédiatement à la succession de l’histoire. L’élément déclencheur devrait se produire environ à mi-chemin du premier acte, après la mise en scène de départ. Accompagnez l’élément déclencheur de plusieurs scènes pour attirer l’attention de l’audience. Elles peuvent être dramatiques, tragiques ou de la comédie. Ces scènes doivent être construites dans le sens d’un point de conflit qui achèvera l’acte premier. Mettez fin au premier acte juste après le point culminant de la tension dans l’histoire à ce point. L’audience restera sur sa faim à la pause et reviendra impatiente de suivre le second acte. Commencez le second acte avec un niveau de tension plus bas que la fin du premier acte. Vous devrez ramener l’audience en douceur dans l’histoire et dans son conflit. Présentez plusieurs scènes du second acte qui élèveront l’enjeu dans le conflit vers le paroxysme de l’histoire ou le point de tension et de conflit le plus élevé, juste avant la fin de la pièce. Détendez l’audience vers la fin avec le dénouement et la résolution. Bien que toutes les pièces ne connaissent pas une fin heureuse, l’audience doit avoir l’impression que toute la tension que vous avez accumulée au cours de la pièce a été libérée. 5 Essayez une structure de trois actes. Pour cela, optez pour une intrigue plus longue et plus complexe. Si vous êtes nouveau dans la dramaturgie, vous pouvez commencer avec une pièce d’un ou de deux actes, car une longue pièce de trois actes pourrait maintenir l’engouement de l’audience pendant deux heures [12] ! Il faut beaucoup d’expérience et de savoir-faire pour composer une production qui puisse attirer l’audience pendant toute cette durée. Vous devriez donc au départ revoir vos ambitions à la baisse. Cependant, si l’histoire que vous comptez raconter est assez complexe, une pièce en trois actes pourrait être votre meilleure option. Tout comme la pièce en deux actes, elle permet des changements importants au niveau du décor, des costumes, etc. au cours des pauses entre les actes. Chaque acte de la pièce théâtrale doit atteindre son propre objectif de narration [13] . Le premier acte est la mise en scène prenez le temps de présenter les personnages ainsi que des informations générales. Amenez l’audience à se préoccuper du personnage principal protagoniste et de sa situation pour assurer une forte réaction émotionnelle lorsque la situation commencera à mal tourner. Le premier acte devrait aussi annoncer le problème qui sera développé tout le long de la pièce. Le 2e est la complication les enjeux deviennent plus élevés pour le protagoniste étant donné que le problème devient plus difficile à gérer. Une bonne manière d’élever les enjeux dans le second acte, c’est de révéler une information importante non loin du paroxysme de l’histoire [14] . Cette révélation devrait semer le doute dans l’esprit du protagoniste avant qu’il ou elle ne trouve la force de résister à travers le conflit pour en arriver à la résolution. L’acte 2 devrait prendre fin d’un air abattu, où les plans du protagoniste se présentent comme un désastre. Le 3e acte est la résolution le protagoniste surmonte les obstacles du second acte et trouve un moyen d’atteindre la conclusion de la pièce. Notez que toutes les pièces ne connaissent pas une fin heureuse. Il se peut que le héros meure dans la résolution, mais l’audience devra en tirer une leçon [15] . Voici des exemples de pièces en trois actes Mercadet le faiseur de Honoré de Balzac et Pigeon A Fantasy in Three Acts, de John Galsworthy. 1 Passez en revue les actes et les scènes. Dans les deux premières sections de cet article, vous avez fait un remue-ménage sur les idées de base concernant l’arc narratif, l’élaboration de l’histoire et de l’intrigue et la structure de la pièce. À présent, avant de vous assoir et écrire la pièce, vous devriez ordonner toutes ces idées en de grandes lignes. Pour chaque acte, exposez ce qui se passe dans chaque scène. À quel moment les personnages principaux sont-ils présentés ? Combien de différentes scènes avez-vous et quel évènement spécifique a lieu dans chaque scène ? Veillez à ce que les évènements de chaque scène se construisent en direction de la prochaine scène pour assurer le développement de l’intrigue. À quel moment aurez-vous besoin de faire des changements de décor ou de costume ? Prenez en considération ces genres de détails techniques pour développer les grandes lignes de la mise au point de votre histoire. 2Développez vos grandes lignes en écrivant votre pièce. Quand vous aurez défini vos grandes lignes, vous pouvez à présent rédiger la pièce théâtrale. Vous n’avez qu’à commencer par mettre votre dialogue de base, sans vous soucier du fait que le dialogue soit naturel ou pas ou de la façon dont les acteurs se débrouilleront une fois sur scène. Sur le premier brouillon, vous devrez juste mettre noir sur blanc comme le disait Guy de Maupassant. 3Travaillez à créer des dialogues naturels. Vous devez donner à vos acteurs un scénario assez solide, pour qu’ils puissent passer les répliques de façon humaine, réelle et émotionnellement puissante. Lisez à haute voix et enregistrez votre premier brouillon puis écoutez-le. Prenez note des points qui semblent être robotiques ou trop grand. Souvenez-vous que même dans les pièces littéraires, vos acteurs doivent avoir le ton des gens normaux et non le ton de ceux qui donnent un bon discours, en se plaignant de leur boulot au diner autour d’une table. 4Laissez les conversations prendre des tangentes. Lorsque vous discutez avec vos amis, il est rare que vous vous en teniez à un seul sujet avec une attention particulière. Dans une pièce, la conversation doit guider les personnages vers le prochain conflit. Vous devez permettre de petites diversions pour la rendre plus réaliste. Par exemple, au cours d’une discussion sur la raison pour laquelle la petite amie du protagoniste a rompu avec lui, il doit y avoir au préalable une séquence de deux ou trois répliques qui mentionne depuis quand ils sont ensemble. 5 Insérez des pauses dans le dialogue. Même si ce n’est pas méchant, les gens s’interrompent dans les conversations tout le temps, même si c’est pour dire leur approbation avec un C’est bon, j’ai compris ! ou un Non, tu as carrément raison ! Les gens s’interrompent aussi souvent en changeant de sujet dans leurs phrases Je veux juste… Tu sais, ça ne me gêne pas de t’emmener là-bas le samedi, le truc c’est que, écoute, j’ai bossé pas mal pas peur d’utiliser des fragments de phrases. Bien qu’on ait été formé à ne jamais utiliser des fragments à l’écrit, on les utilise tout le temps lorsqu’on parle J’ai horreur des chiens, eux tous. 6 Ajoutez des indications scéniques [16] . Les mises en scène permettent aux acteurs de comprendre votre vision de ce qui se passe sur scène. Utilisez l’écriture en italique ou les parenthèses pour faire la différence entre votre mise en scène et les paroles dites. Même si les acteurs doivent faire preuve de leur propre créativité pour donner vie à vos mots, vous pouvez donner quelques directions spécifiques comme répliques [silence long et gênant] ; actions physiques [Silas se lève et marche avec nervosité]. [Marguerite ronge ses ongles] ; états émotionnels [anxieuse], [enthousiaste], [prend la jupe sale comme si elle la dégoutait]. 7 Récrivez votre brouillon autant de fois que possible. Vous n’allez pas achever votre pièce au premier brouillon. Même les écrivains expérimentés ont besoin de faire plusieurs brouillons pour une pièce avant d’être satisfaits du produit fini. Ne vous mettez pas la pression ! À chaque passe, ajoutez plus de détails qui donneront vie à votre production. Même en ajoutant des détails, souvenez-vous que la touche d’effacement peut être votre meilleur ami. Comme le dit Donald Murray, vous devez enlever le mauvais, pour que le bon se révèle. Supprimez tous les dialogues et évènements qui n’apportent rien à la résonnance émotionnelle de la pièce. Les conseils du romancier Leonard Elmore s’appliquent aussi aux pièces de théâtre essayez de laisser les parties que les lecteurs ont tendance à éviter [17] . Conseils La plupart des pièces ont lieu à des endroits et des lieux spécifiques, soyez donc cohérent. Un personnage des années 30 pourrait passer un appel ou envoyer un télégraphe, mais il ne regarderait pas la télévision. À la fin de cet article, vérifiez les sources des vrais formats de pièce et suivez les règles établies. Persévérez toujours et improvisez si vous oubliez une réplique pendant le spectacle. Parfois, vous trouverez une meilleure réplique ! Lisez le scénario à haute voix pour une petite audience. Les pièces sont basées sur des mots, et ce pouvoir ou son absence se remarque très vite à l’oral. Ne laissez pas votre pièce dans un lieu secret, faites plutôt savoir que vous êtes un écrivain ! Écrivez de nombreuses versions de votre pièce, même si la première vous a donné entière satisfaction. Avertissements L’univers du théâtre est plein d’idées, mais le traitement qu’on donne à chaque histoire doit relever de l’originalité. Le fait de voler l’histoire d’autrui ne constitue pas seulement une indifférence cruelle à la morale, c’est aussi un acte répressif passible de sanction juridique. Le rejet surpasse grandement l’acceptation, mais ne vous découragez pas. Si vous êtes ratatiné par l’indifférence d’une pièce, écrivez-en une autre. Protégez votre œuvre. Veillez à ce que la page de garde de votre pièce théâtrale contienne votre nom et l’année de parution de l’œuvre, précédés du symbole de droit d’auteur ©. À propos de ce wikiHow Cette page a été consultée 8 861 fois. Cet article vous a-t-il été utile ?
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Réservezvos places de theatre pour : UNE IDEE GENIALE - GRAND THEATRE 3T. Le prix des places est à partir de : 24.00 €. Date : mardi 5 juillet 2022 au samedi 30 juillet 2022. Vous disposez par ailleurs du service e-ticket pour imprimer vos billets à domicile dès la fin de commande pour UNE IDEE GENIALE.

Deux journalistes, deux générations, un intérêt commun pour La galère. Amateurs de la série télévisée, qui a pris fin en 2013, Josée Lapointe et Hugo Pilon-Larose ont assisté à la pièce de théâtre qui en a été tirée. Après la tournée au Québec l'été dernier, c'était soir de rentrée montréalaise, jeudi. Steph, Claude, Mimi et Isa sont-elles toujours aussi charmantes? Critique croisée. Josée J'ai aimé La galère. J'ai ri des vacheries de Claude autant que j'ai été émue par la maladie d'Isa. J'ai regardé cette série comme je lis un roman de chick lit, parce que c'était léger et que moi aussi, j'aime bien les contes de fées - un premier ministre amoureux d'une auteure fauchée, mère célibataire de trois enfants, c'est évidemment de la pure fiction pour midinette» qui s'assume. En allant voir la pièce toujours écrite par Renée-Claude Brazeau et mise en scène par André Robitaille jeudi avec toi, Hugo, je ne m'attendais pas à du grand théâtre. Mais ce qui nous a été présenté ressemblait tellement à du sous-théâtre d'été, comme il ne s'en fait même plus vraiment au Québec, que j'avoue ne pas être encore remise du choc. On ne leur demandait pas grand-chose, pourtant seulement de nous faire rire et passer un bon moment. Hugo Je comprends ton état de choc, Josée. Est-ce du malaise, de l'incompréhension? L'équipe, pourtant talentueuse, ne déploie pas sur scène ses atouts. Parlons d'abord d'un problème de taille... Notre plaisir de retrouver les intrigues de Renée-Claude Brazeau était quintuplé par le fait de revoir les actrices originales. Or, Hélène Florent qui joue le rôle de Stéphanie n'est finalement pas de la partie. Quoique Marilyse Bourke interprète bien son rôle, ça ne fait pas pareil. Mais le problème ne tient pas qu'à cela. Une fois transposées de la télévision à la scène, les répliques de nos quatre comparses - rapides, jouées de façon mitraillée - deviennent criardes, clownesques et trop souvent grotesques. Josée Cette transposition comportait des dangers et on a l'impression que l'équipe est tombée dans tous les pièges. C'était essentiel d'inclure des références pour les initiés - Claude qui nous rappelle qu'elle est noire, j'avais oublié! -, mais à force de vouloir parler de tout, les ex, les chums, les enfants, etc., la pièce est trop bavarde. Le théâtre, c'est aussi l'art de l'évocation et ici, on n'évoque rien, on ne fait que raconter. Ce qui faisait la force de la série, c'était aussi la trâlée d'enfants qui vivent avec leurs mères dans la grande maison de Mme Baer. Alors, lorsque Stéphanie pète une coche au téléphone contre leur ingratitude dans ce qui devrait être une grande séance de défoulement pour mères indignes, on est presque mal à l'aise, surtout à cause de l'absence de réponse. Les enfants, drôles et baveux, manquent cruellement à la pièce. Hugo Dans la première demi-heure du spectacle, je sentais moi aussi qu'on voulait nous mettre à jour sur les intrigues inachevées de la série. Mais la nouvelle histoire qui est finalement racontée dans cette pièce n'est pas à la hauteur des beaux souvenirs que l'on a. L'intrigue, basée sur un journaliste qui a intercepté les conversations salées des quatre filles alors qu'elles se maquillaient dans les toilettes d'une salle de bal, est mince. Leur fuite dans un chalet, où Stéphanie se réfugiait avec sa fille, dont elle ne sait pas qui de Marc son mari premier ministre ou de Michel son ex qui est chef dans un bistro est le père, n'a rien d'enlevant. Une chance qu'Anne Casabonne, qui joue le personnage de Claude, est toujours aussi cinglante et attachiante», car elle porte sur ses épaules les seules répliques où j'ai ri de bon coeur. Le texte, tout comme la mise en scène, propulse sans cesse les quatre interprètes au-devant de la scène, où elles parlent face au public comme dans une bonne vieille comédie de situation. Le résultat est fade. Et que dire de la fin, où, une fois rendues en prison ne dévoilons pas le punch» qui les a menées là!, les quatre amies terminent une dispute en déchirant leurs habits orange de prisonnières, sous lesquels elles sont habillées pour aller dans un cinq à sept, et qu'elles dansent sous des lumières de discothèque. C'est ridicule. Josée C'est dommage parce qu'on allait là avec le désir de retrouver de vieilles copines. Mais j'ai trouvé ce spectacle tellement paresseux que ça a gâché mon plaisir. Quand on sait que le public viendra nous voir de toute façon parce qu'il a un attachement émotif, on ne doit pas s'en tenir au strict minimum. On peut, je dirais même qu'on est obligé de faire des efforts pour ne pas rester au ras des pâquerettes. C'est certain qu'une série qui s'étire sur 10 épisodes permet une ligne dramatique plus subtile. Ramener ça à un spectacle de 90 minutes obligeait à faire des choix, ce qui aurait permis un peu plus de nuance. En tout cas, on ne m'y reprendra plus. Hugo Pour ma part, j'essaie depuis hier d'oublier ce spectacle pour garder dans ma tête les beaux souvenirs de La galère, une émission qui a marqué à sa façon notre petit écran. Comme quoi une bonne équipe ne donne pas nécessairement deux fois un même bon résultat. _________________________________________________________________________________ La galère sur scène est présentée au Théâtre Maisonneuve encore ce soir et continuera sa tournée québécoise en 2017.

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Unepièce dont on se délecte de la fin car on attend avec impatience que Lionel chante enfin le titre composé spécialement pour l'occasion. Spectacle vu en septembre 2021
Par Laura B. Publié le 12 décembre 2020 à 09h01 "Une Heure de Tranquillité", la pièce de Florian Zeller, devait être à l'affiche du théâtre Antoine pendant les fêtes de fin d'année. C'est finalement à la télévision, sur France 2, le 29 décembre 2020, qu'elle sera diffusée. "Une Heure de Tranquillité" est interprétée, entre autres, par François Berléand, Isabelle Gélinas et Rod Paradot. "Une Heure de Tranquillité", pièce écrite en 2013 par Florian Zeller, et créée au théâtre Antoine, devait faire son retour sur les planches du théâtre Antoine. La comédie y était programmée, pour huit représentations seulement, pendant les fêtes de fin d'année 2020, comme un cadeau de Noël aux amateurs de les théâtres n'ayant pas obtenu l'autorisation de rouvrir, c'est finalement à la télévision que la captation d' "Une Heure de Tranquillité" sera diffusée. France 2 a décidé de programmer la pièce le mardi 29 décembre 2020, en prime time, à partir de 21 heures. Au moment de sa création, "Une Heure de Tranquillité" était interprétée par Fabrice Luchini. Dans cette nouvelle mouture, on retrouve sur scène François Berléand, Isabelle Gélinas et Rod Paradot, toujours mis en scène par Ladislas Vaude, Christelle Reboul, Thierry Lopez et Jean-Luc Porraz complètent la distribution. "Une Heure de Tranquillité" c'est l'histoire de Michel, un passionné de jazz, qui vient de dénicher un album un album très rare qu'il projette d'écouter tranquillement dans son salon. Mais le monde entier semble en avoir décidé autrement. Sa femme voudrait lui parler, son fils débarque à l'improviste, son voisin frappe à la porte... Et même sa maîtresse voudrait faire le point avec lui. Manipulateur et menteur, Michel est prêt à tout pou ravoir la paix. À lire aussiQue faire ce week-end à Paris avec les enfants, les 27 et 28 août 2022Que faire cette semaine à Paris du 22 au 28 août 2022"Une Heure de Tranquillité" a été adaptée au cinéma en 2014 par Patrice Leconte avec Christian Clavier dans le rôle principal. Entre les fêtes de fin d'année, profiter d' "Une Heure de Tranquillité" voire plus si affinité à la télé, sur France 2 ! Unecomédie à 5 personnages écrite et mise en scène par Gérard Pinter. Avec Sarah Digne, Julie Vilardell, Patrick Andrieu, Gaetan Verbeck et Gérard Pinter. Plein 25€, Réduit 22€, Pas de tarifs réduits les samedis, jours fériés, veilles de fériés et 14 février. Info tarifs. Parcours Molière Parcours thématique Céline Candiard Introduction Maître incontesté de la comédie en France, Molière est le seul auteur comique du XVIIe siècle dont les pièces fassent aujourd'hui l'objet de mises en scène régulières. Cette faveur particulière est due essentiellement à son statut largement prédominant dans le panthéon des dramaturges français en effet, à l'instar de Shakespeare outre-Manche, Molière apparaît comme le saint patron du théâtre français, sa figure emblématique et son plus éminent représentant, tant pour la pratique du théâtre puisqu'il était comédien et chef de troupe que pour la composition de pièces. Cette qualité d'homme de théâtre total », du reste, est sans doute pour beaucoup dans le choix que fit la postérité de Molière, et non d'un Corneille ou d'un Racine, pour incarner le théâtre national. Une figure multiple De fait, la légende de Molière commence dès après sa mort. Son lieutenant La Grange s'occupe de l'entretenir, assurant notamment la publication de ses œuvres complètes, tandis que Grimarest publie en 1705 une Vie de Monsieur de Molière douteusement hagiographique qui servira de base à la connaissance du dramaturge pendant des siècles. Il est vrai que sur le plan de l'écriture comique, son œuvre a modifié en profondeur les pratiques françaises la comédie est désormais admise comme un art pleinement respectable et les poètes continuent d'imiter Molière ou de s'en inspirer pendant plus d'un siècle. Mais cette glorieuse postérité ne s'obtient qu'au prix d'une vision quelque peu déformée du personnage. On a souvent beaucoup insisté, à la suite de Grimarest, sur sa dimension de grand auteur classique, en mettant en avant ses études au prestigieux Collège de Clermont en réalité incertaines, ses lectures philosophiques, sa portée métaphysique. Pendant trois siècles, la tradition scolaire et intellectuelle a fait apparaître dans ses pièces les traces intertextuelles d'un Molière lettré et contemplatif, négligeant son activité plus terre-à-terre de chef de troupe. Or, à partir des années 1960, une partie des chercheurs et du monde du théâtre s'intéresse à cette dimension dédaignée de Molière, mettant en évidence les incertitudes des informations données par Grimarest, l'importance des années que Molière passa en province à jouer des farces et ses préoccupations commerciales de chef de troupe. C'est dans cet esprit qu'Ariane Mnouchkine réalise en 1978 le film Molière, longue fresque biographique en deux parties racontant la carrière du dramaturge de sa naissance jusqu'à sa mort en donnant une image moins lisse, plus archaïque, plus turbulente aussi de la France du XVIIe siècle, Mnouchkine a cherché à replacer la figure de Molière dans son contexte historique et culturel et à combattre le mythe classique de l'homme de lettres enfermé dans son cabinet. Petites » pièces De fait, c'est avec la composition de farces », petites pièces en un acte généralement conçues pour terminer la soirée théâtrale, que Molière connaît ses premiers succès La Jalousie du Barbouillé, Le Médecin volan t ou encore Gros-René écolier ont toutes été créées en province et, à en juger par leur reprise à l'arrivée de la troupe à Paris en 1658, elles y avaient été accueillies favorablement. C'est encore grâce à une farce, nous apprend La Grange, que Molière parvient à séduire le roi après l'avoir copieusement ennuyé par la représentation d'une pièce de Corneille. Molière a beau s'entêter à jouer quelques tragédies, il est loin d'y exceller autant que dans la comédie, sans doute en partie à cause d'une voix assez nasillarde, propice aux effets comiques mais peu adaptée à un héros pathétique. Dans sa première création parisienne, Les Précieuses ridicules, Molière reprend donc assez naturellement son personnage de valet comique Mascarille, qui avait déjà connu le succès dans L'Etourdi et Le Dépit amoureux . La pièce est un triomphe, mais les rivaux de Molière lui reprochent de n'être qu'un vulgaire farceur, ce qui le conduit à abandonner par la suite le rôle du valet fourbe au profit de rôles plus variés - maris jaloux, bons bourgeois, pères fantasques. C'est seulement à la fin de sa carrière, après sa brouille avec Lully, qu'il revient au rôle de ses premiers succès en créant Les Fourberies de Scapin 1671. Mais la pièce est un échec commercial, sans doute en raison de sa maladie qui le rend incapable d'assumer un rôle d'une telle exigence physique. De plus, la pièce s'attire les foudres des doctes, en particulier de Boileau, pour avoir emprunté certaines de ses scènes particulièrement la célèbre scène du sac au grand farceur Tabarin. Ces comédies où Molière s'était ménagé le rôle vedette du valet fourbe ne sont pas, de nos jours, les pièces les plus jouées du dramaturge on leur préfère généralement les grandes » comédies en cinq actes et en vers, jugées plus profondes. Les Précieuses ridicules ont cependant fait l'objet de quelques mises en scène marquantes au cours des dernières décennies, particulièrement celle de Jérôme Deschamps et Macha Makeïeff au Théâtre de l'Odéon et au Théâtre National de Bretagne en 1997 de manière significative, c'est au sein d'une troupe déjà constituée, coutumière d'un théâtre ludique mettant en valeur les comédiens, que ce spectacle prend forme. Mais le plus souvent, les pièces les plus farcesques de Molière sont aujourd'hui chargées de cruauté, voire de violence, comme pour démentir leur apparente légèreté et leur donner une portée plus sérieuse c'est ainsi que la troupe de Deschamps fait apparaître la violence sociale contenue dans les dialogues des Précieuses . De la même manière, Jean-Louis Benoît donne au Scapin incarné par Philippe Torreton, dans sa mise en scène proposée à la Comédie-Française en 1997, une gravité désabusée, qui contraste avec le Scapin jubilatoire et métathéâtral de Daniel Auteuil dans la mise en scène de Jean-Pierre-Vincent, au Festival d'Avignon, en 1990. De manière significative, les pièces les plus souvent jouées et les plus commentées de Molière aujourd'hui sont ses grandes » comédies en cinq actes et en vers - auxquelles il faut ajouter Dom Juan, écrit en prose par manque de temps. Il s'agit en effet des pièces les plus originales de Molière et de celles qui établirent durablement sa réputation d'auteur comique d'exception. Grandes » comédies L'Ecole des femmes donna lieu au premier grand scandale de la carrière de Molière il fut accusé d'immoralité à cause de l'équivoque sexuelle de l'acte II, scène V la fameuse scène du le » », et même d'outrage à la religion à cause des Maximes du mariage » parodiques qu'Arnolphe fait lire à Agnès. C'est cet aspect corrosif et potentiellement scandaleux qui intéresse en premier lieu les metteurs en scène français à partir des années 1960 ainsi Jean-Paul Roussillon, dans sa mise en scène de 1973 à la Comédie-Française qui présente pour la première fois au public parisien la toute jeune Isabelle Adjani dans le rôle d'Agnès 00276, donne une vision cruelle et sombre du rapport de domination trouble entre Arnolphe et Agnès ; Antoine Vitez, quant à lui, inverse ce rapport dans sa mise en scène de 1978-1979, en faisant d'Arnolphe le jouet des manipulations perverses d'Agnès. De la même manière, malgré les témoignages du XVIIe siècle qui évoquent le jeu bouffonnant » de Molière dans le rôle d'Alceste, Le Misanthrope est le plus souvent joué comme une comédie sérieuse, voire un drame Antoine Vitez, dans sa mise en scène de 1988 à Chaillot, propose une méditation sur la solitude, une lecture biographique sur les tourments personnels de Molière. Les comédies les plus volontiers mises en scène sont aussi les plus subversives, particulièrement Tartuffe, qui suscita à sa création un scandale religieux sans précédent devant l'opposition de la Compagnie du Saint-Sacrement, puissant groupe de pression dévot, Molière mit cinq ans à pouvoir faire jouer sa pièce dans son théâtre, malgré le soutien du roi. On lui reprochait d'avoir donné de l'Eglise et des religieux, à travers son personnage de faux dévot Tartuffe, une image irrévérencieuse. C'est ce parfum de scandale qui séduit souvent les metteurs en scène, préoccupés avant tout de la portée de la pièce. Roger Planchon insiste ainsi, dans ses deux mises en scène de 1962 et 1973, sur les enjeux sociopolitiques de la pièce et la relation trouble, fortement érotisée, qui se joue entre Tartuffe et Orgon. Ariane Mnouchkine choisit quant à elle, dans sa mise en scène de 1995, de transposer l'intrigue de Molière dans l'univers islamique contemporain afin de dénoncer les ravages des fanatismes religieux. Des démarches comparables s'observent dans les spectacles inspirés par Dom Juan tandis que Planchon, qui présente la pièce en regard avec l' Athalie de Racine dans un spectacle de 1980, voi
Lespectacle s’intitule Habiter les ruines.Il s'agit d'un parcours théâtral autour d’une école au passé riche, mais négligée au point d’être condamnée en partie depuis août 2020.
ON AIME Un spectacle très drôle qui parle aux pré-adosÂGE idéal pour les 9 – 12 ansDATE jusqu’au 28 mai 2022DURÉE 1h15LIEU Théâtre Grand Point Virgule Paris 15e La pièce Ados au théâtre du Grand Point Virgule, très drôle, les pré-ados adorent ! Reprise de ce spectacle où pour la 1ère fois des ados parlent aux pré-adosGrand succès avec déjà plus de représentationsVoilà une pièce de théâtre pour les pré-ados, sur les ados où 3 ados parlent de ce qui les préoccupe, et qui préoccupe sans doute leur public…Dans la pièce Ados, 3 ados complexés et bourrés d’acné, Naf-Naf, Nif-Nif et Nouf-Nouf inspirés du conte des trois petits cochons, sont des caricatures d’un fils à papa, d’un gothique et d’un jeune beur. Ils représentent, chacun à sa manière, le parfait stéréotype du jeune mâle obsédé par les filles, mal dans sa peau et pratiquant l’insulte en permanence…Ce n’est pas toujours très fin, mais ça marche et c’est trois acteurs ont une énergie débordante. Ils sautent, chantent et se vannent à qui mieux mieux. Le peps des comédiens compense un scénario, avouons-le, parfois un peu léger. D’accord, ce n’est pas de la grande littérature, mais ce remix des Trois petits cochons » est un prétexte pour se moquer gentiment de l’âge ingrat, à grand renfort de gags visuelsUn spectacle déjanté et décapantUn spectacle d’1h15 Les pièces de théâtre à l’affiche ou à venir à Paris Infos pratiques Adresse 8 bis rue de l'Arrivée, 75015 Paris
Plustard encore, c’est le confinement, je lui suggère (en passant) d’écrire une pièce que j’interprèterais. J’évoque mon goût pour Simenon ou Manchette, la littérature noire Fin du confinement. Alexandre passe me voir avec en main le texte Grand-duc, qui met en scène un inspecteur de police sur une scène de crime.
Ça se passe dans la superbe grande salle du théâtre du Chêne noir, lieu historique du off d’Avignon installé dans une ancienne chapelle du XIIe siècle où une congrégation de sœurs cisterciennes recueillait et soignait des lépreux… Julien Gelas prête à Didier Flamand les mots d’Albert Camus. Le comédien chevronné incarne une figure d’intellectuel contemporain s’apprêtant à tenir un discours pour la paix devant le Conseil des Nations LIRE AUSSI Festival d'Avignon Mesguich, Caubère et Renucci… Retours aux fondamentaux !Il se prépare en relisant différents écrits de l’auteur du Mythe de Sisyphe. À commencer par les Lettres à un ami allemand, vibrant manifeste à la fois patriotique et antinationaliste, composé de lettres adressées à un correspondant de l’autre camp, composées entre 1943 et 1945. En signe de lutte contre l’amnésie organisée, Gelas situe la répétition de son conférencier dans une salle d’archives, d’où il fait résonner les célèbres mots de Camus Mais dans le temps même où je jugerai votre atroce conduite, je me souviendrai que vous et nous sommes partis de la même solitude, que vous et nous sommes avec toute l'Europe dans la même tragédie de l'intelligence. Et malgré vous-mêmes, je vous garderai le nom d'homme. »À LIRE AUSSI Festival d’Avignon le duo "Ange et Bert" impose sa dérision désespérée dans le "In"À l’autre extrémité des remparts, dans la petite salle du Théâtre des vents, le metteur en scène Michel Cochet met en scène Xavier Béja dans le rôle de Jean Zay. Une heure quinze environ racontant la dernière année du célèbre jeune ministre du Front populaire arrêté par le régime de Vichy puis emprisonné suite à un procès fantoche, non exempt d’antisémitisme. Zay fut odieusement assassiné par des miliciens qui se firent passer pour ses suit son calvaire de la déportation à l’Île du Diable à la prison de Riom, jusqu’au dernier départ. On se coule également dans ses pensées et ses souvenirs, en large partie inspirés de son journal de captivité, Souvenirs et solitudes. La force de présence du théâtre redonne voix à cet homme complet », figure mythique dont la contribution à la République sociale est désormais en grande partie sortie des mémoires… L’impressionnant Xavier Beja transforme le plateau en chambre d’échos des tourments d’un corps diminué et d’une conscience aux idéaux superbe salle du Théâtre du Chien qui fume autre lieu emblématique du Off, avec son balcon délicieusement désuet et sa cage de scène carrée, constitue un écrin parfait pour le cabaret et l’opérette voici qu’elle accueille la pièce de l’ethnologue et résistante Germaine Tillion, Une opérette à Ravensbrück une œuvre célèbre bien que rarement LIRE AUSSI Festival d'Avignon Shakespeare comme il vous plaira… plus ou moinsIl faut dire qu’un tel morceau, qui exige des interprètes polyvalents époustouflante, tant au chant qu’au violon, Solène Angeloni dans le rôle de Titine et ne s’aborde pas sans quelques précautions… Mais le résultat est astringent sous la houlette de la sémillante Claudine Van Beneden, qui ne ménage pas non son talent d’interprète sur la scène. À l’origine de cette pièce écrite par Tillion dans le camp de femmes de Ravensbrück son désir d’alléger le désespoir de ses LIRE AUSSI Avignon 2022 voici les premiers coups de cœur de "Marianne" !Révoltées, truculentes et insolentes à souhait, les cinq Verfügbar les corvéables à merci » enchaînent sketches et chansons inspirées du répertoire populaire. Elles défient un personnage d’ethnologue nazi qui présente une conférence sur la race inférieure des Verfügbar. On est étonné de la modernité de la pièce de Tillion, ravi de la capacité du texte à conjurer l’horreur par le grotesque, galvanisé par l’énergie de résistance transmise par la musique et le en garde contre la perte du mondePlus studieuse est l’heure passée en compagnie de la pensée d’Hannah Arendt grâce au spectacle concocté par Charles Berling et Bérengère Warluzel, tous les soirs au Chêne noir encore. Piano recouvert de feutre en citation de l’artiste charismatique et controversé Joseph Beuys, auteur d’une théorie réparatrice de l’art, piles de livres et paperboard le dispositif scénique est pensé comme une chambre d’écoute qui magnifie la présence intérieure et frémissante de Bérengère Warluzel, portant les mots de la philosophe fragment par fragment. La gageure de donner accès à une pensée aussi complexe en un temps aussi condensé est pour le moins LIRE AUSSI Euthanasie, prostitution, Monte-Cristo, … nouveaux coups de cœur de "Marianne" au Festival d’AvignonMais l’impressionnant travail de sélection et de montage de textes parvient à faire entendre une voix singulière, une pensée résolument antimoderne aux accents heideggériens marqués qui mit en garde contre la perte du monde acosmisme » et la dénaturation de l’homme. Warluzel ne joue pas Arendt mais fait résonner en elle sa pensée et sa langue. Elle s’entoure d’enfants et d’adolescents qui construisent de fragiles maquettes, la suivent au piano, colorient ses schémas, lui donnent de temps en temps la réplique. Que l’on apprécie ou pas la pensée d’Arendt, Fragments constitue une magistrale et très sensible initiation. Et une mise en garde quoi qu’il en soit salutaire contre la mécanique déshumanisante de toute idéologie.***Lettre à un ami allemand d’après Albert Camus, mise en scène Julien Gelas, au Théâtre du Chêne noir 11 h 30, jusqu’au 30 Zay, l’homme complet mise en scène Michel Cochet au Théâtre des vents 11 h 30, jusqu’au 30 Opérette à Ravensbrück de Germaine Tillion, mise en scène Claudine Van Beneden, au Théâtre du Chien qui fume 10 h 30 jusqu’au 30 d’après Hannah Arendt, de Charles Berling et Bérengère Warluzel, au Théâtre du Chêne noir 21 h 30 jusqu’au 30 juillet. Puis en tournée.

LeFestival d’Avignon attire chaque année plus de 300 000 visiteurs. On y rencontre des passionnés de théâtre, venus voir les dernières

Le programme 2022 des pièces de théâtre jeune public à Paris Paris compte plus d’une centaine de théâtre et café-théâtre. Certains théâtres sont spécialisés dans le répertoire classique comme la Comédie Française, d’autres dans un registre plus contemporain comme au théâtre National de Chaillot, Enfin, certains ont une programmation dédiée au jeune public parfois dès 1 an, avec des horaires adaptés aux enfants et tout-petits. Et aux beaux jours, ne manquez pas le théâtre en plein air Théâtre de Verdure du jardin Shakespeare. Nous recherchons, dans la mesure du possible les tarifs les plus intéressants ou les promos du moment FNAC, TickeTac, BilletReduc…. Pour les pièces de théâtre à succès, il est vivement conseillé de réserver ses places très longtemps à l’avance. Elles affichent très vite complet. Avec des tout-petitsAvec des 7/12 ansAvec des ados Les pièces de théâtre pour tout-petits en ce moment Jack et le haricot magique Une nouvelle création inspirée du conte anglais du même nom. Pour les 4 - 7 ans - Du 14/09/2022 au 13/01/2023 - Théâtre du Lucernaire Paris 6e C’est moi le plus fort Un spectacle malicieux autour du loup dans les contes pour enfants. Pour les 3 - 6 ans - Du 14/09/2022 au 13/11/2022 - Théâtre du Lucernaire Paris 6e A la recherche du doudou perdu Une pièce poétique et tendre pour les petits. De 1 à 5 ans - Du 18/09/2022 au 20/11/2022 - ABRICADABRA - Péniche Antipode 19ème Rose au bois dormant Une version moderne et joyeuse du conte de Grimm. Idéal dès 4 ans - jusqu'au 30 décembre 2022 - Au théâtre Funambule Montmartre Paris 18eTarif réduit jusqu'à -20% Les Fables de La Fontaine Des fables de La Fontaine et des anecdotes autour des oeuvres. - Jusqu'au 4 septembre 2022 - Au théâtre Saint-Michel Paris 5eTarif réduit Chevaliers, princesses et dragon Comédie musicale chevaleresque pleine d'humour. Pour les 4-8 ans - Du 23/10/2022 au 05/05/2023 - Au théâtre des Mathurins Paris 8eTarif réduit jusqu'à - 40% Au Pays du Père Noël Le père Noël et ses lutins. Drôle, enlevé et participatif. Idéal dès 3 ans - du 30/10/2022 au 30/12/2022 - Théâtre des Mathurins Paris 8eTarif réduit jusqu'à -40% Les pièces de théâtre pour les 7/12 ans en ce moment Rose au bois dormant Une version moderne et joyeuse du conte de Grimm. Idéal dès 4 ans - jusqu'au 30 décembre 2022 - Au théâtre Funambule Montmartre Paris 18eTarif réduit jusqu'à -20% Ado un jour, à dos toujours Très drôle et dynamique. Jusqu'au 25/09/2022 - En famille avec des pré-ados et des ados - A la Comédie Oberkampf Paris, 11ème Le secret de Sherlock Holmes Un spectale familial, drôle et rondement mené. - Jusqu'au 30 décembre 2022 - Au théâtre de la Bruyère Paris 9ème Le Médecin malgré lui Un classique intemporel. Dès 8 ans - Du 14/07/2022 au 27/08/20 - A la Comédie Saint-MichelJUSQU'À -21% DE RÉDUCTION Les Fables de La Fontaine Des fables de La Fontaine et des anecdotes autour des oeuvres. - Jusqu'au 4 septembre 2022 - Au théâtre Saint-Michel Paris 5eTarif réduit Blanche-Neige et les 7 nains Je réserve Le célèbre conte, version musicale. Idéal dès 6 ans; pour les plus grands aussi - Du 08/10/2022 au 07/05/2023 - Théâtre Gaîté Montparnasse Paris 14eBillets dès 16 € Chevaliers, princesses et dragon Comédie musicale chevaleresque pleine d'humour. Pour les 4-8 ans - Du 23/10/2022 au 05/05/2023 - Au théâtre des Mathurins Paris 8eTarif réduit jusqu'à - 40% Berlin Berlin La pièce de théâtre qui fait tomber les murs. En famille, dès 12 ans - Jusqu'au 31 décembre 2022 - Au théâtre Fontaine dans le 9ème Ado un jour, à dos toujours Très drôle et dynamique. Jusqu'au 25/09/2022 - En famille avec des pré-ados et des ados - A la Comédie Oberkampf Paris, 11ème Le secret de Sherlock Holmes Un spectale familial, drôle et rondement mené. - Jusqu'au 30 décembre 2022 - Au théâtre de la Bruyère Paris 9ème La machine de Turing Une excellente pièce à montrer aux ados. - Du 17 août au 30 novembre 2022 - Au théâtre du Palais Royal Paris 1er Le Médecin malgré lui Un classique intemporel. Dès 8 ans - Du 14/07/2022 au 27/08/20 - A la Comédie Saint-MichelJUSQU'À -21% DE RÉDUCTION Edmond Une pièce brillante et réjouissante. Dès 12 ans - Du 16/08/2022 au 29/11/2022 - Au théâtre du Palais Royal Paris 1erBillets dès 19,55 € Dernier Coup de Ciseaux Molière de la meilleure comédie. Dès 12 ans - Jusqu'au 17 décembre 2022 - Au théâtre des Mathurins Paris 8e Le Porteur d’Histoire La pièce jubilatoire, drôle, originale, imaginative. Dès 12 ans - Jusqu'au 30 septembre 2022 - Au théâtre des Béliers Parisiens Paris 18e Racine par la Racine Tout Racine en 1h15 ! Bluffant ! On adore . Dès 12 ans - Du 21/07/2022 au 28/06/2023 - Au théâtre Essaion Paris 4eTarif réduit Spectacledéjà culte en Allemagne ou au Japon, Elisabeth nous parvient donc à Bruxelles en création mondiale en français avec une jeune comédienne canadienne, Marie-Pierre de Brienne, qui livre une performance exceptionnelle dans le rôle de Sissi. Avec 17 musiciens, 220 costumes et une trentaine d’artistes (comédiens-chanteurs et danseurs), c’est l’une des

Télécharger l'article Télécharger l'article Lorsqu'il s'agit de monter une pièce de théâtre, le rôle du producteur est différent de celui du directeur, mais l'importance de ce rôle n'est pas amoindrie pour autant. Un producteur s'occupe généralement des aspects de la production qui se rapportent aux finances, à l'administration et à la logistique, comme il peut aussi avoir son mot à dire sur l'aspect créatif de l'ensemble du projet. 1 Trouvez un scénario. En votre qualité de producteur, vous êtes la première personne qui démarre la création de votre œuvre théâtrale. Avant de commencer, vous avez besoin de prendre une décision concernant la pièce théâtrale à produire. Votre équipe peut vous aider à prendre cette décision qui peut consister à monter une pièce classique, comme les misérables, La mort d'un commis voyageur , Mme Saïgon ou un raisin au soleil. Ce sont des pièces de théâtre célèbres qui sont fréquemment jouées bien des décennies après leur création. Vous pouvez aussi créer une pièce inédite et dans ce cas, essayez de trouver un scénario de qualité, écrit par un scénariste talentueux que vous pouvez rencontrer à l'université, dans une troupe théâtrale ou par l'intermédiaire d'un éditeur ou d'un agent d'édition. Sachez qu'une pièce de théâtre est couverte par la loi sur propriété intellectuelle et que par conséquent vous serez appelé à payer des droits d'auteur pour pouvoir l'utiliser. Si la pièce choisie n'est pas encore tombée dans le domaine public, veillez à contacter le dramaturge ou son agent ou le véritable propriétaire de l'œuvre. 2 Recrutez un directeur. Cette personne représente le patron de la pièce théâtrale tant qu'il s'agit des aspects créatifs et artistiques du projet. Il dirige les acteurs pendant les répétitions et prend les décisions finales en matière d'esthétique, comme la conception des accessoires et des décors de plateau. En définitive, c'est lui qui se couvre de gloire ou de ridicule en fonction de l'accueil que fera le public à la pièce de théâtre en question. Le producteur doit trouver un directeur qui convienne au projet. Ce directeur peut être un ami, un professionnel avec qui vous êtes en relation ou un nouveau talent prometteur. Cependant, gardez à l'esprit qu'un directeur puisse décliner votre offre ou essayer d'obtenir une rémunération plus élevée en contrepartie des services qu'il vous rendra. En votre qualité de producteur, il vous appartient de trouver un autre directeur ou d'accepter de négocier. Certains producteurs assurent également la fonction de directeur. Ils endossent ainsi une lourde responsabilité. Donc, sauf si vous avez une grande expérience du domaine, réfléchissez bien avant de décider de cumuler les deux fonctions. 3 Collectez des fonds. L'une des responsabilités principales du producteur est de trouver de quoi financer la création de sa pièce de théâtre. Si vous êtes suffisamment riche, vous pouvez financer le projet vous-même et être ainsi le seul bailleur de fonds. Toutefois, certaines pièces de théâtre bénéficient de l'appui financier de plusieurs bailleurs de fonds qui ne sont que des personnes aisées intéressées par le profit que le projet pourrait générer. Dans ce cas, votre rôle de producteur consiste à promouvoir le projet auprès de ces investisseurs, qu'ils soient des amis personnels ou de riches étrangers, dans le but de les convaincre de le financer. Il vous incombe aussi de les satisfaire, d'abord en faisant fonctionner le projet correctement, ensuite en les informant des modifications éventuelles dans la production ou dans les perspectives de commercialisation, etc. 4 Trouvez une salle de spectacle. Vous aurez besoin d'un espace approprié pour les répétitions et la présentation de votre pièce de théâtre au public. En votre qualité de producteur, vous devez trouver une salle de spectacle pour présenter votre œuvre. La salle doit être adaptée aux aspects techniques du projet, comme les dimensions de la scène, l'éclairage, la sonorisation, etc. De plus, elle devra être suffisamment spacieuse pour accueillir le public prévu pour assister aux représentations. Les autres aspects à prendre en compte comprennent le loyer de la salle, car plusieurs salles auront des exigences différentes en matière de partage des recettes et ainsi de suite ; la disposition des propriétaires de la salle à inclure dans la location la fourniture du personnel d'accueil et des agents ; la prise en charge par les propriétaires de la salle de l'assurance en responsabilité civile ; l'esthétique et l'acoustique de la salle ; l'historique et la réputation de la salle. 5 Programmez des auditions. Chaque pièce de théâtre a besoin d'une distribution, même s'il ne s'agit que d'un spectacle solo. Si vous avez suffisamment de relations, vous pouvez viser des acteurs en particulier pour tenir certains rôles. Dans ce cas, contactez-les directement et offrez-leur de participer à votre projet. Sinon, vous devez programmer des auditions. Efforcez-vous de faire suffisamment de publicité pour ces auditions de façon à permettre aux acteurs potentiels de savoir où et quand se présenter pour essayer d'obtenir un rôle dans votre pièce. Concentrez votre effort publicitaire sur les endroits fréquentés par les acteurs, comme les troupes théâtrales et les écoles des beaux-arts. N'oubliez pas de sensibiliser les groupes avec lesquels les acteurs sont en relation, par exemple les agences artistiques. 6 Embauchez du personnel de soutien. Sachez qu'en plus des acteurs, vous aurez besoin d'embaucher d'autres personnes pour réaliser votre projet. En effet, la réussite d'une pièce de théâtre est le résultat de la collaboration de plusieurs techniciens, comme les machinistes, les techniciens de l'éclairage et de la sonorisation, les concepteurs de costumes, les chorégraphes ainsi qu'un grand nombre d'autres professionnels. En tant que producteur, pensez à recruter le personnel de soutien adéquat, bien que ce personnel ne sera pas directement sous vos ordres quotidiennement, car chacun dépendra de son propre chef hiérarchique. Sachez aussi que plusieurs salles mettront à votre disposition leur propre personnel d'accueil, mais que d'autres ne le feront pas et dans ce cas, il vous reviendra d'embaucher ce personnel en plus de vos techniciens. 7Fixez la distribution de votre pièce. D'une manière générale, le directeur prend les décisions concernant la distribution des rôles entre les acteurs, car c'est lui qui travaillera avec eux pour créer le produit final. Cependant, vous pouvez dire votre mot concernant la distribution en fonction de votre relation avec le directeur, en particulier si vous avez travaillé auparavant sur les aspects créatifs d'une pièce de théâtre. Publicité 1 Établissez un programme des répétitions. Il faut beaucoup de préparation avant de jouer une pièce de théâtre devant un public. En collaboration avec le directeur, établissez un programme des répétitions dont le rythme ira en augmentant au fur et à mesure de l'approche de la date prévue pour la représentation d'ouverture. Tenez compte du prix et de la disponibilité de la salle ainsi que des dates des autres évènements qui sont prévus s'y tenir. Quelques publications théâtrales recommandent de programmer au moins une heure de répétition par page de scénario [1] . Prenez soin de prévoir à la fin des répétitions au moins une séance pour les répétitions techniques et une répétition générale. Les répétitions techniques permettent aux acteurs, au directeur et aux techniciens de revoir la pièce et de remédier à tout dysfonctionnement technique concernant l'éclairage, la sonorisation, les costumes et les effets spéciaux, etc. La répétition générale consiste à jouer la pièce dans sa totalité d'une seule traite, comme si le public était présent. Par exemple, si un acteur oublie ses répliques, la pièce doit continuer à se dérouler comme pendant une représentation normale. 2Ayez une assurance en responsabilité civile. Certaines salles prennent une assurance pour couvrir les représentations théâtrales, mais d'autres ne le font pas. Dans le cas où un accident survient à un acteur ou à un membre du public au cours de la représentation, une assurance en responsabilité civile couvre les couts résultant de l'accident, vous évitant ainsi de payer de votre propre poche. Donc, il est prudent de prendre cette assurance, surtout pour couvrir les risques présentés par certaines pièces de théâtre, en particulier celles qui comportent des scènes d'acrobatie aérienne ou l'usage de feux d'artifice. 3 Prenez vos dispositions pour créer ou acheter des décors de plateau, des costumes et des accessoires. Sachez que des décors, des costumes et des accessoires faits sur mesure, peuvent nécessiter un certain temps pour leur réalisation. Par exemple, la construction de certaines pièces compliquées du décor doit commencer avant même le début des répétitions ! En votre qualité de producteur, vous devez embaucher, coordonner et charger des stylistes et des techniciens de faire vivre votre pièce théâtrale. Si vous êtes déjà à court d'argent, vous n'êtes pas obligé de créer chaque détail matériel à partir de zéro. Par exemple, vous pouvez organiser une collecte de vêtements anciens et démodés parmi lesquels vous choisirez ceux que porteront vos acteurs sur scène. Vous pouvez également faire appel à des bénévoles locaux pour vous aider à construire vos décors. Le théâtre peut unir les membres de votre communauté pour réaliser un spectacle attrayant. 4 Établissez un calendrier des représentations. Habituellement, une pièce de théâtre est jouée plus d'une fois. Les grandes productions sont jouées dans des salles célèbres plusieurs fois par semaine pendant des mois et même les petites productions sont à l'affiche pour de nombreuses représentations. En tant que producteur, vous devez programmer vos représentations en tenant compte des jours fériés, des obligations de votre personnel et des conditions du marché, comme la variation saisonnière du nombre de spectateurs, etc. Efforcez-vous de donner des représentations tant que vous pouvez vendre un nombre suffisant de billets pour faire des bénéfices et si vous affichez complet, vous pourrez organiser des représentations additionnelles. 5 Faites la promotion de votre spectacle. La promotion fait partie du travail du producteur. Elle forme probablement le facteur le plus déterminant pour faire la publicité de votre spectacle en usant de tous les moyens possibles selon votre budget. Par exemple, vous pouvez faire passer des annonces à la radio ou à la télévision, louer un panneau d'affichage ou distribuer des prospectus dans les universités locales. Les frais de publicité dépendent de l'importance de vos efforts promotionnels. Ainsi, les sommes dépensées peuvent être élevées ou minimes. Sachez que certaines de vos actions promotionnelles ne seront pas rémunérées. Vous aurez de la publicité gratuitement, si vous arrivez à convaincre un journal local d'écrire un article ou une chaine de télévision de faire une émission sur votre spectacle. De même, l'internet vous permet de faire de la promotion sans frais, étant donné que l'utilisation des médias sociaux et des courriels est gratuite. 6 Supervisez la bonne marche du spectacle. En votre qualité de producteur, votre mission ne se termine pas après la soirée d'ouverture. Donc, même s'il ne reste plus grand-chose à préparer ou à planifier, vous demeurez responsable de l'ensemble des aspects de votre production théâtrale. Tenez-vous prêt à résoudre les problèmes dès qu'ils apparaissent. Vous aurez peut-être à réparer ou à remplacer des accessoires, à reprendre la programmation des représentations, etc. Vous avez intérêt à avoir un spectacle qui se déroule régulièrement et sans incident, donc ne vous tournez pas les pouces après le démarrage de vos représentations théâtrales. Comme il a été dit précédemment, vous devez informer vos bailleurs de fonds sur les conditions du déroulement du spectacle, notamment concernant le succès financier de l'affaire. Vous aurez probablement à leur présenter un rapport financier, ce qui pourrait être embarrassant dans le cas où les recettes n'ont pas été à la hauteur des prévisions. 7Payez votre personnel et vos bailleurs de fonds. Heureusement, lorsque votre spectacle commence à faire des recettes à travers la vente de billets, vous devez employer une partie de ces recettes pour rembourser vos bailleurs de fonds. Souvent, les propriétaires des salles de spectacle demandent un pourcentage des recettes. Donc, en votre qualité de producteur, vous devez distribuer vos recettes de façon équitable entre tous les intéressés. Indépendamment du profit que vous aurez réalisé, vous devez aussi vous assurer que vos acteurs et vos techniciens ont été payés intégralement. Publicité Avertissements Votre personnel, y compris les acteurs et les actrices, peut ne pas exécuter vos ordres à la lettre. Essayez de les aider, mais souvenez-vous que personne n'aime un directeur qui pinaille sans arrêt. Publicité À propos de ce wikiHow Cette page a été consultée 53 196 fois. Cet article vous a-t-il été utile ?

Découvrezdu théâtre à Berneval le Grand : spectacles et pièces de théâtre à Berneval le Grand avec les représentations ce soir, en septembre en 2022. Concert Théâtre Le théâtre puise ses lointaines origines dans les cérémonies religieuses de l'Antiquité, voire de la Préhistoire. Aux Temps modernes, c'est un spectacle profane à part entière et immensément populaire. La preuve en est qu'il imprègne encore aujourd'hui notre vocabulaire quotidien. Il est vrai qu'il n'a pas encore de concurrents tels que le cinéma ou la télévision... Acte III le théâtre du Roi-Soleil France, XVIIe siècle Le théâtre français du XVIIe siècle bénéficie de la bienveillance du pouvoir, de Louis XIII et Richelieu à Louis XIV. Passionné par la danse et amoureux des spectacles, le Roi-Soleil ne cessa de favoriser les auteurs, pour sa plus grande gloire. C'est lui également qui créa, en 1680, la Comédie-Française en fusionnant les troupes existantes. Pierre Corneille, ancien avocat, passe en quelques années de la comédie baroque L'Illusion comique, 1635 à la tragi-comédie Le Cid, 1637 et à la tragédie pure Cinna, 1639.... Molière donne ses lettres d'or à la comédie Don Juan, 1665, L'Avare, 1668, Les Fourberies de Scapin, 1671... et crée avec Jean-Baptiste Lully, un nouveau genre, la comédie-ballet dans laquelle des intermèdes musicaux et dansés sont intégrés à l'intrigue Le Bourgeois gentilhomme, 1670. Enfin, Jean Racine, jeune ambitieux, finit par abandonner l'écriture Andromaque, 1667, Phèdre, 1677... pour se consacrer à la fonction plus prestigieuse d'historiographe du roi. L'époque n'était plus aux fantaisies baroques mais au sérieux. On institua des règles qui s'appuient sur les principes de rigueur et d'harmonie propres au classicisme Qu'en un jour, qu'en un lieu, un seul fait accompliTienne jusqu'à la fin le théâtre rempli». Il s'agit de respecter les trois unités de lieu un seul décor, de temps 24 heures et d'action une seule intrigue pour satisfaire aux deux règles de base la vraisemblance une histoire crédible et la bienséance rien de choquant. Le théâtre se place donc sous le signe de la raison avec des objectifs précis plaire et instruire. La dimension morale est donc primordiale par le rire ou la peur, on veut provoquer chez le spectateur la catharsis, c'est-à-dire le rejet de ses mauvais penchants. Il faut donc, selon Molière, corriger les vices des hommes en les divertissant». Tout un art ! Vivre de la comédie au XVIIe siècle Être comédien à l'époque de Molière n'est pas de tout repos méprisé par la population qui cherche avant tout à s'amuser, y compris en se moquant des acteurs, le métier était vu d'un mauvais oeil par l'Église, pleine de soupçons envers cette population itinérante, accusée de moeurs dissolues. Sur les conseils de certains évêques, les curés en viennent à refuser à ces familles la communion, le mariage, le baptême et surtout l'inhumation en terre sainte». C'est ainsi que Molière, malgré sa piété, ne dut qu'à l'intervention de Louis XIV de pouvoir reposer dans la cimetière de la paroisse Saint-Joseph. Pourtant, à l'époque du grand auteur, le métier est devenu moins difficile. Les troupes se sont organisées et souvent établies dans des bâtiments enfin en dur. Les recettes sont divisées selon le nombre de comédiens et leur fonction dans la pièce. Molière, en cumulant les casquettes, touchait près de 20 000 livres par an, soit les revenus d'un bourgeois aisé. Dans un théâtre du XVIIe siècle Entrons, à la suite du public, dans un théâtre parisien au XVIIe siècle, dans l'après-midi. Selon la somme que vous souhaitez débourser, vous pouvez rester debout au parterre, au milieu des cris et des bousculades, ou chercher plus de tranquillité dans les loges et galeries. Mais n'espérez pas vous asseoir les premières chaises ne seront installées qu'en 1782, à l'Odéon. Seuls quelques riches privilégiés peuvent profiter des fauteuils installés à même la scène, pour mal voir mais être vu ! Le théâtre est en effet, plus qu'un lieu de culture, une occasion de rencontres et de parade. Les spectateurs, de tous les milieux, ne restent à aucun moment silencieux mais préfèrent partager leurs commentaires sur les décors et costumes. Il faut dire que tout est fait pour le plaisir des yeux le décor, unique pour répondre à la règles de l'unité de lieu, est soigné, et souvent agrémenté d'effets de machineries impressionnants ; généralement propriété personnelle des comédiens, les costumes peuvent être somptueux, en soie et taffetas, sans souci des possibles anachronismes qu'importe que le romain Cinna apparaisse en pourpoint Renaissance? Tout cela est éclairé tant bien que mal avec des bougies disposées sur des lustres ou sur la rampe, le long de la scène. Cet éclairage présentait deux problèmes tout d'abord, il fallait moucher les bougies toutes les 20 minutes, ce qui obligeait les auteurs à diviser leurs pièces en actes pour instaurer une pause. Ensuite, les costumes risquaient de s'enflammer, ce qui provoqua la mort de plusieurs danseuses au XIXe s. C'est pourquoi, dit-on, les tutus furent raccourcis. Rien de naturel également dans le jeu des acteurs, qui aimaient pratiquer une diction pleine de lyrisme et grandiloquence. Molière se moqua de cette déclamation, préférant que ses comédiens s'approchent de la vérité de leur personnage Tâchez […] de vous figurer que vous êtes ce que vous représentez». Un nouvel exemple de sa modernité... Acte IV Quand les planches font leur révolution France, XVIIIe-XIXe siècles Le théâtre et le pouvoir n'ont pas toujours fait bon ménage. En 1725, c'est le discret Marivaux qui remet en cause la hiérarchie sociale dans L'Île des esclaves. Il ouvre ainsi la voie à l'audace de Beaumarchais qui échappe de justesse à la censure pour Le Barbier de Séville 1775 puis Le Mariage de Figaro 1784. Le théâtre aime toujours faire pleurer avec Denis Diderot Le Père de famille, 1761 puis, au XIXe siècle, le triomphe des mélodrames dans les salles parisiennes du fameux boulevard du Crime». Mais le 25 février 1830, la Comédie-Française se transforme en champ de bataille pour la première d'Hernani d'un côté, la bande des chevelus» venus soutenir bruyamment la pièce d'Hugo ; de l'autre, le clan des chauves» prêts à défendre les principes de l'écriture classique. C'est Hugo qui gagne la bataille d'Hernani», avec ses amis romantiques Alexandre Dumas Henri III et sa cour, 1828 et Alfred de Musset Lorenzaccio, 1834. Un mot d'ordre la liberté. On mélange les genres, on piétine les règles, on disloque les vers... Mais ces pièces, difficiles à monter, laissent rapidement place à des œuvres plus légères le trio Eugène Labiche Un Chapeau de paille d'Italie, 1851, Georges Feydeau La Dame de chez Maxim, 1899 et Georges Courteline Messieurs les ronds-de-cuir, 1893 font le bonheur des spectateurs avec leurs vaudevilles. Acte V Tout cela est bien absurde... France, XXe siècle Merdre !» C'est sur ce mot du père Ubu Alfred Jarry, Ubu roi, 1896 que se referme le XIXe siècle, peu avant le triomphe de Cyrano de Bergerac d'Edmond Rostand 1897. Les metteurs en scène prennent alors le pouvoir, comme André Antoine qui s'attache à reproduire la réalité sur les planches tandis que Jacques Copeau ne veut qu'une scène dépouillée. Son ami Louis Jouvet triomphe dans la mise en scène de Knock de Jules Romains, en 1923, avant de participer à un retour aux sources antiques avec Jean Giraudoux La Guerre de Troie n'aura pas lieu, 1935 et Jean Cocteau La Machine infernale, 1934. D'autres théoriciens, comme Antonin Artaud, souhaitent privilégier le jeu par rapport au texte c'est le Théâtre de la cruauté» qui fait la part belle au spectacle pour attiser la sensibilité des spectateurs. La guerre coupe cet élan mais pas le goût du public pour le spectacle des pièces engagées voient le jour, dont l'Antigone de Jean Anouilh 1944 et Huis-clos de Jean-Paul Sartre 1944. Après le traumatisme de 1939-1945, un duo d'auteurs entreprend de montrer l'aspect dérisoire de l'existence en mêlant désespoir et rire Eugène Ionesco La Cantatrice chauve, 1950 et Samuel Beckett En attendant Godot, 1952 mettent en miettes le dialogue pour mieux montrer l'incohérence du monde. Leur Théâtre de l'absurde» triomphe au moment où festival d'Avignon, créé en 1947, par Jean Vilar, prend son envol. Aujourd'hui certains de nos auteurs, comme Bernard-Marie Koltès Dans la solitude des champs de coton, 1985, Éric-Emmanuel Schmitt Le Visiteur, 1993 ou Yasmina Reza Art, 1994, acquièrent même une reconnaissance internationale qui montre la vigueur d'un art en permanente reconstruction. Publié ou mis à jour le 2022-01-05 090648
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Rendezvous à Nantes pour découvrir un spectacle Shame Of Thrones - La Fin D'Un Règne. Ce spectacle sera en représentation à Nantes - Théâtre De Poche. Concert; Théâtre; Festival; Jeune Public; Danse; Art du spectacle; Exposition. Trouver. Agenda Culturel Loire-Atlantique. Théâtre Loire-Atlantique. Théâtre Nantes. Spectacle Shame Of Thrones - La Fin D'Un Règne. Spectacle Home / Théâtre / Pièce de théâtre Tous chez Barbe-Bleue ! 29 octobre 2011 Voici une pièce de théâtre conçue par choupakhi pour ses élèves que j’ai simplement remise en page Tous chez Barbe-Bleue ! Une super pièce autour des personnages de contes célèbres. Présentation de l’auteur Cette pièce a été écrite pour 22 enfants de niveau CE2/CM1. Je suis partie d’une pièce existante Tout est bien qui finit bien », pièce extraite d’un recueil chez Retz. N’ayant qu’une petite dizaine de personnages, j’en ai rajouté et donc réécris la pièce entièrement. J’ai imaginé comment des personnages de contes célèbres pouvaient être en relation tous ensemble. Je la trouve excellente et très drôle, un vrai régal ! Un gros gros merci à toi, choupakhi ! Bonne lecture et venez donner votre avis ! Pièce de théâtre Explications sur la pièce Info La pièce originale Tout est bien qui finit bien est extraite du recueil Drôles de rencontres au théâtre 9-12 ans présenté à gauche éd. Retz. Related Posts Laisser un commentaire
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